Come diventare un MONTATORE VIDEO esperto !

CAPITOLO 1 – INTRODUZIONE ALL’EDITING VIDEO

PROCESSO DELLA CREAZIONE DI UNA STORIA

Prima di creare il video hai in mente più o meno la storia, poi c’è la fase della scrittura della storia che hai in mente, successivamente registri le clip e alla fine monti le clip seguendo la grammatica del montaggio, in modo che raccontino quella storia.

BREVE STORIA DEL MONTAGGIO VIDEO

Più di 100 anni fa si usavano le cineprese a manovella e venivano utilizzate pellicole in plastica che permettevano di girare solo pochi secondi di video.

Infatti venivano registrati dei brevi girati sulla vita di tutti i giorni.

La tecnologia si sviluppò in fretta e le pellicole diventarono più lunghe permettendo di registrare per più tempo, per questo si svilupparono tecniche più sofisticate per girare le scene.

Se prima il montatore doveva assemblare e tagliare pochi secondi di pellicola con il tempo il lavoro è diventato sempre più complesso, richiedendo una conoscenza più approfondita della grammatica del montaggio.

CHE COS’È IL MONTAGGIO VIDEO ?

Montare vuol dire assemblare le clip individuali in modo da formare una storia coerente.

Prima venivano tagliate le pellicole con delle forbici o lame e poi unite insieme con della colla o una giuntatrice.

FATTORI CHE INFLUENZANO LE SCELTE EDITORIALI

Il primo fattore è che tipo di medium vuoi utilizzare come: pellicola, nastro o software video-editing digitali.

Trovare qualcuno che monti video su pellicola o nastro è molto difficile, costoso e ci vuole molto più tempo rispetto a farlo in digitale con i software di montaggio.

Per creare una buona storia non serve un software complesso basta uno semplice.

Ricorda che avere un buon computer e un buon software di montaggio è utile per migliorare.

Il secondo fattore è che tipo di video stai montando: documentario, corto, video musicale.

Ogni formato di video ha tempi, effetti speciali, transizioni, durata, budget e complessità differenti.

MANIPOLAZIONE DEGLI SPETTATORI

Ogni formato video ha ritmi diversi e tu devi essere in grado di suscitare delle emozioni e voler far scoprire di più allo spettatore.

Ad esempio i video di tiktok divertenti devono essere montati in modo da favorire dei tempi comici giusti.

Un altro fattore importante è la creatività perché ti permette di creare cose diverse e innovative.

WORKFLOW E ORGANIZZAZIONE

1. ACQUISIZIONE: Devi avere tutti i file multimediali come video e audio del progetto su cui stai lavorando.

2. ORGANIZZAZIONE: Tutti i file che hai ottenuto devono essere sistemati e ordinati in delle cartelle creando delle categorie.

Devi anche essere in grado di adattare l’organizzazione se dovrai lavorare in determinate strutture di post produzione, perché avranno i loro modi per organizzare.

3. REVISIONA E SELEZIONA: Guarda tutto il materiale e prendi nota o metti da parte i migliori elementi per il progetto.

Non eliminare gli elementi peggiori perché non si sa mai se servirà.

Alcuni montatori creano un filato master con tutte le clip buone così da poter selezionare più velocemente le scene migliori senza dover aprire ogni clip.

4. ASSEMBLARE: Edita le migliori scene da te selezionate precedentemente e crea lo scheletro della storia con quelle clip.

Se devi montare qualcosa che ha un copione, utilizzalo per seguire il filo della storia, montando le clip adatte per quella scena.

5. TAGLIO GREZZO: Consiste nel tagliare le parti delle clip che rallentano la storia in modo da ottenere una buona struttura di base che scorre con fluidità.

6. TAGLIO PRECISO: Hai rielaborato il materiale abbastanza volte fino ad aver ottenuto una storia che ti soddisfa perché ha il giusto ritmo.

7. BLOCCO IMMAGINI: Quando tutti gli elementi visivi sono apposto

e hai aggiunto tutti gli elementi secondari come: titoli, musiche, effetti sonori…

8. FINALE: È arrivato il momento di lavorare sulle immagini ad alta risoluzione e quindi disattiva il proxy. Questo serve per fare un ottimo color grading cioè modificare i colori delle immagini. Sistema anche eventuali problemi che possono essersi creati.

9. ESPORTAZIONE: Il lavoro è completato quindi devi esportare il file nella risoluzione che desideri e poi crea una copia del file da mettere su un hard-disk esterno o in cloud per essere sicuro di non perderlo.

TRANSIZIONI TRADIZIONALI

Ci sono 4 modi principali per creare una transizione tra una clip all’altra:

1. CUT (TAGLIO), è un passaggio istantaneo tra una clip e l’altra
2. DISSOLVENZA, un cambio graduale tra una clip e l’altra.
3. WIPE (TENDINA), è una linea, che avanza con una certa angolazione, o una forma geometrica, si sposta sullo schermo rimuovendo l’immagine dell’inquadratura appena terminata e contemporaneamente rivelando l’inquadratura successiva dietro la linea o forma in movimento.
4. FADE (DISSOLVENZA A NERO), è un cambiamento graduale da uno schermo pieno di colori (tipicamente nero) a un’immagine completamente visibile noto come FADE IN o dissolvenza in apertura.  

Un cambiamento graduale da un’immagine completamente visibile a uno schermo pieno di colori solidi (tipicamente nero), noto come FADE OUT o dissolvenza in chiusura.

CONSIGLI CAPITOLO 1

• PRESTA ATTENZIONE AI MEDIA E AL PROGETTO, devi organizzare il lavoro mettendo le cartelle nel giusto ordine e rinominarle in modo da capire cosa metterci all’interno, una buona pratica è quello di rinominare i file della cartella footage mettendoci anche la data, così capisci quale file è più recente.

• IMPARA AD UTILIZZARE LE SHORTCUT DA TASTIERA, impara le shortcut più utili per te, se vuoi puoi modificarle. Questo serve per essere più veloce.

• ORGANIZZA LE TRACCE NELLA TIMELINE, se organizzi le tracce video e audio nella timeline in modo che contengano risorse particolari, sai sempre dove posizionare le cose.

Ad esempio, nelle tracce V1 e V2 metti i video di produzione, nella V3 la grafica e nella V4 puoi mettere i titoli.  Dal punto di vista audio, puoi posizionare tracce di produzione audio sincronizzate su A1 e A2, narrazione fuori campo su A3 e A4, clip ambientali (NATS) su A5 e A6, tracce musicali da A7 a A10, SFX su A11 e A12, ecc.

• MANTIENI IL ROUGH CUT (TAGLIO GREZZO) LUNGO, fin dall’inizio, dovresti includere tutto, dalle immagini alle tracce audio che ritieni possa aiutare a mostrare/raccontare adeguatamente la storia. 

Questa fase puoi anche sorvolare se devi montare un video molto corto di pochi secondi e se ti hanno dato poco tempo per montarlo.

• RIVEDI OGNI MODIFICA, quando montate delle parti o il video intero, devi riguardarlo per non perderti degli errori o per capire se il ritmo è corretto.

Guardare ogni singola modifica potrebbe richiedere del tempo durante questa fase, ma è necessario valutare frequentemente i tuoi progressi. 

Dopo aver completato un’intera scena, sarebbe saggio guardarla fino in fondo dall’inizio alla fine e annota tutti i momenti che sembrano richiedere maggiore attenzione.

Anche i progetti che hanno tempi di consegna molto rapidi richiederanno la modifica e processo di revisione. Fai del tuo meglio entro i limiti di tempo.

• CHIEDI FEEDBACK DURANTE LA MODIFICA DEL FILMATO,  occhi nuovi di altre persone possono aiutarti a vedere i punti deboli che oggettivamente non potevi più notare.  Le parti a cui ti sei affezionato potrebbero non essere effettivamente adatte alla storia generale.

• RIGUARDA IL FILMATO MODIFICATO DOPO UN PO’ DI TEMPO, quando monti lo stesso video per molto tempo diventa facile rendersi ciechi di fronte a modifiche che non funzionano o a intere sezioni che potrebbe funzionare meglio in un’altra posizione all’interno della sequenza.

Quindi dovresti prenderti una pausa di 1-2 giorni o anche di più per dimenticare delle parti e il ritmo del filmato.

Questa cosa non è consigliata farla se il filmato è molto corto e/o semplice da montare, dipende anche dalle scadenze che ti hanno dato.

• DUPLICA LE SEQUENZE PRIMA DI APPORTARE DELLE MODIFICHE IMPORTANTI, 

piuttosto che tenerne una versione della tua sequenza che cambi costantemente cercando di arrivare alla modifica finale, è preferibile copiare, duplicare o ripetere la sequenza in modo da mantenere un archivio dei tuoi progressi nel tempo.

Ogni applicazione software di editing video dovrebbe consentire a un montatore di creare una copia della sequenza in costruzione nel progetto. Alcuni editor aggiungono cose come “_v1” o “_v16” al nome della sequenza per tenere traccia della cronologia delle versioni.  Altri taggano la data alla fine del nome, ecc. In questo modo, se tu (o il cliente) non siete soddisfatti della direzione in cui sta andando una particolare sezione della sequenza, è facile aprire una versione archiviata più vecchia e  sostituire le parti nella versione più recente secondo necessità.

ESERCIZI CAPITOLO 1

1. Guarda qualsiasi film, programma televisivo o di servizi di streaming o video web con l’audio disattivato.  Prendi nota di ciò che vedi riguardo a qualsiasi cosa abbia a che fare con le immagini, ad esempio la frequenza con cui l’immagine cambia e quanti tipi diversi di immagini vengono utilizzati per mostrare il programma.  Cosa noti nell’uso dei colori e nelle scene luminose rispetto a quelle scure?  Vengono utilizzati elementi grafici (come foto, titoli o grafica in movimento)?  Quando vengono utilizzati e per quale scopo, secondo te?  L’importante è osservare e analizzare quali tipi di informazioni visive ti vengono mostrate e quando e come vengono mostrate.

2. Prova lo stesso film, spettacolo o video dell’Esercizio 1 una seconda volta, ma distoglie lo sguardo dalle immagini o disattiva il monitor visivo e ascolta solo l’audio.  Prendi nota di ciò che senti, come la qualità dei suoni, la quantità dei suoni, se c’è musica e quando.  Secondo te, i suoni che senti supportano la storia o il messaggio del video?  Se é cosi, come?  La “narrativa” ha senso come esperienza solo audio?

3. Se hai già un progetto di editing sul tuo computer, aprilo e osserva come hai organizzato i tuoi contenitori/cartelle/clip/sequenze, ecc. Se non trovi molta organizzazione, scopri cosa potresti fare per raggruppare o organizzare meglio le tue risorse video e audio, sia sui tuoi dischi rigidi che all’interno del tuo progetto di editing.  Hai effettuato un backup dei file sorgente originali, magari su un archivio cloud, una chiavetta USB o un disco rigido rimovibile?

4. Pensa al tuo progetto di editing più recente e traccia tutte le fasi della post-produzione (come descritto in questo capitolo) che hai attraversato.  Hai avuto un flusso di lavoro diverso?  Cosa potresti provare di diverso nel tuo prossimo progetto?  Quali passaggi hai eseguito che non sono stati menzionati nel nostro elenco?

CAPITOLO 2 – CAPIRE IL MATERIALE VISIVO

LE PRINCIPALI INQUADRATURE

Un montatore deve conoscere le principali inquadrature, questo serve per conoscere le terminologie della produzione di un video:

–  DETTAGLIO o PARTICOLARE [EXTREME CLOSE-UP (XCU/ECU)]

– PRIMISSIMO PIANO (PPP) [BIG CLOSE-UP (BCU) (UK)/“choker” (US)]

– PRIMO PIANO (PP) [CLOSE-UP (CU)]

– MEZZA FIGURA (MF) [MEDIUM CLOSE-UP (MCU)/ bust shot]

– PIANO MEDIO (PM) [MEDIUM SHOT (MS)/ mid-shot]

– CAMPO MEDIO (CM) [MEDIUM LONG SHOT (MLS)/ medium wide shot (MWS)]

– TOTALE (TOT) o CAMPO TOTALE (CT) [LONG SHOT (LS)/ wide shot (WS)]

– CAMPO LUNGO (CL) [VERY LONGO SHOT (VLS)/ very wide shot (VWS)]

– CAMPO LUNGHISSIMO (CLL) [EXTREME LONG SHOT (XLS/ELS)/ extreme wide shot (XWS/EWS)]

– INQUADRATURA CON 2 PERSONE [TWO-SHOT (2-SHOT/28)]

– SOPRA LA SPALLA [OVER THE SHOULDER SHOT (OTS/OSS)]

DESCRIZIONE DELLE INQUADRATURE

1. DETTAGLIO o PARTICOLARE: Il particolare è l’inquadratura di una piccola parte del corpo umano, invece il dettaglio è l’inquadratura di un elemento di piccole dimensioni, ma a differenza del particolare il dettaglio non mostra una parte del corpo umano ma un oggetto.

Il pubblico non ha un contesto in cui collocare la parte del corpo o l’oggetto ripreso perchè non ci sono punti di riferimento esterni per via della troppa vicinanza. 

Per dare un contesto è utile che l’oggetto o persona con una ripresa dettagliata sia mostrata prima o dopo un’inquadratura più ampia.

Di solito questa inquadratura viene usata per i documentari e video musicali.

Le principali preoccupazioni dell’editor? La messa a fuoco, soprattutto se la telecamera è in movimento e questi video possono soffrire di scarsa qualità o immagini difficili da decifrare di soggetti sconosciuti e ingranditi.

2. PRIMISSIMO PIANO (PPP): Il viso umano occupa quanto più spazio possibile nell’inquadratura e l’immagine mostra chiaramente le caratteristiche principali di occhi, naso e bocca. La parte superiore dell’inquadratura è appena sopra le sopracciglia e quella inferiore è appena sotto le labbra o il mento.

Questa inquadratura è intima perché ogni dettaglio del viso è visibile (quindi anche le emozioni), è poco tollerabile un movimento della testa del soggetto perché esce dall’area di messa a fuoco.

Preoccupazioni dell’editore? Può succedere che le labbra inferiori/bocca che scendono sotto il bordo inferiore dell’inquadratura se il soggetto parla.

Questa inquadratura viene utilizzata maggiormente in modo statico perché è difficile mantenere l’inquadratura con il giusto focus.

Potrebbe essere meglio inserire una ripresa di reazione non parlata per rivelare risposte facciali immediate e chiare del soggetto che indicano visivamente pensiero ed emozione, ecc. 

Quasi tutti gli interpreti indossano una sorta di trucco per abbellire o migliorare le loro caratteristiche facciali. Un’inquadratura così ravvicinata (in UHD 4K) potrebbe essere compromessa da un trucco applicato in modo improprio (o eccessivo).

3. PRIMO PIANO (PP): si inquadra principalmente il viso, ma può tagliare la parte superiore dei capelli del soggetto. Il fondo dell’inquadratura può iniziare ovunque appena sotto il mento o, più tradizionalmente, con il collo e una parte della spalla superiore visibile.

I dettagli del viso sono chiaramente visibili come le espressioni e i dettagli del volto.

L’inquadratura più ampia nella parte inferiore dell’inquadratura permette un maggiore movimento della mandibola inferiore mentre il soggetto parla (a differenza PPP). Un soggetto non umano riempirà l’inquadratura e dovrebbe essere facilmente riconoscibile e identificabile.

Serve per mostrare chi, ma non tanto dove o quando.

Le principali preoccupazioni dell’editor?

Se viene utilizzato uno stile di ripresa oggettivo (cioè la telecamera riprende il soggetto come se fosse una terza persona che osserva la scena) gli occhi dell’interprete guardano fuori dall’inquadratura nella direzione corretta, corrispondente al contesto dello spazio del film nelle inquadrature più ampie di questo personaggio? Se si utilizza uno stile di ripresa soggettivo (come per un vlogger oppure un POV cioè la telecamera riprende dal punto di vista del soggetto come una prima persona), gli occhi dell’interprete guardano direttamente nell’obiettivo (collegandosi con il pubblico) o semplicemente in modo imbarazzante fuori dall’asse dell’obiettivo (non collegandosi con nulla)?

4. MEZZA FIGURA (MF): A volte chiamato “two-button” (due-bottoni) per l’inquadratura stretta che taglia al petto, più o meno dove vedresti i primi due bottoni di una camicia. Taglia qualsiasi braccio visibile sopra l’articolazione del gomito. Il fondo del inquadratura può essere leggermente diverso per uomini o donne, a seconda del costume e degli attributi fisici.

Questa inquadratura fornisce molte informazioni sul soggetto e si può utilizzare un po’ di movimento del corpo e della testa.

Le azioni o gli oggetti nell’ambiente circostante dovrebbero avere poca o nessuna importanza.

Riesci a capire delle informazioni generali sul dove e quando a seconda dell’illuminazione.

Le principali preoccupazioni dell’editor?

La figura umana è a sinistra del inquadratura, a destra del inquadratura o al centro? Viene mantenuta la continuità della direzione dello schermo? Il background compete troppo con il soggetto? La profondità di campo per la regione “a fuoco” è troppo grande?

5. PIANO MEDIO (PM): L’inquadratura taglia la figura umana vicino alla vita o alla linea della cintura.

Il busto umano è il più prominente nell’inquadratura e si vedono chiaramente i vestiti e il volto del soggetto.

Attenzione al soggetto che rompe l’inquadratura (quando una parte del corpo dell’attore tocca o si muove oltre il bordo stabilito del fotogramma).

Mostra certamente chi e fornisce anche dettagli generici su dove (dentro o fuori, appartamento, negozio, foresta, ecc.) e quando (giorno o notte, stagione).

Le principali preoccupazioni dell’editor? Oltre ai movimenti del soggetto che rompono l’inquadratura, fai attenzione a far corrispondere lo spazio sopra la testa e lo spazio di sguardo (noto anche come spazio del naso) nelle riprese di copertura della scena di dialogo che devono essere giustapposte nella sequenza.

6. CAMPO MEDIO (CM): L’ambiente circostante occupa più spazio rispetto al soggetto. 

L’inquadratura taglia la gamba appena sotto o appena sopra il ginocchio, dipende da dove inquadrare la gamba che dipende dal costume o da movimento del corpo del soggetto.

Il soggetto è chiaramente visibile e anche l’ambiente circostante che gioca un ruolo chiave mostrando informazioni importanti.

Mostra chi, dove e più o meno quando.

Le principali preoccupazioni dell’editor?  Tieni d’occhio le gambe del soggetto e il costume (specialmente quando il soggetto è in movimento). C’è un aspetto di quegli elementi che distrae? Allo stesso modo, c’è una sorta di “pezzo” di oggetto vagante che aleggia appena all’interno del fondo dell’inquadratura? Potrebbe essere possibile ingrandire leggermente l’immagine per rimuovere questi dalla vista.

7. TOTALE (TOT) o CAMPO TOTALE (CT): il soggetto è ancora visibile, si inquadra spesso i piedi appena sopra il fondo dell’inquadratura e la testa appena sotto la parte superiore dell’inquadratura. Si riescono a vedere i movimenti e le espressioni facciali generali, ma mancano i dettagli significativi del volto.

Una discreta parte dell’ambiente circostante è visibile.

Mostra dove, quando e chi.

Le principali preoccupazioni dell’editor? Con il viso così piccolo nel fotogramma, cerca di non usare il TOT per evidenziare l’emozione espressa dal viso, ma dovrebbe andare bene se i movimenti generali del corpo del soggetto vengono utilizzati per trasmettere chiaramente quello stato d’animo.

Poiché l’intero corpo è visibile, il pubblico può rilevare uno squilibrio nella continuità quando il prossimo scatto di questo soggetto viene montato sullo schermo.

8. CAMPO LUNGO (CL): La figura umana è visibile ma si possono osservare solo generalità di razza, abbigliamento, capelli e comportamento fisico. L’ambiente all’interno dello spazio del film domina gran parte dello schermo e può essere realizzato in luoghi di ripresa interni abbastanza larghi e lunghi come l’interno di un set nello studio.

Mostra dove, quando e chi (ma di solito sono troppo piccoli per vedere dettagli reali)

Le principali preoccupazioni dell’editor? 

Il soggetto si perde tra gli elementi di sfondo nell’inquadratura? La composizione del fotogramma incorpora abbastanza informazioni visive da essere utile al pubblico?

9. CAMPO LUNGHISSIMO (CLL): Viene utilizzato maggiormente per le riprese in esterni o in location interne ampie.

Mostra dove (città, montagna, deserto ecc.) e può mostrare quando (giorno, notte, estate, passato ecc.) 

Le figure umane sono così piccole che sono indistinguibili.

Principali preoccupazioni dell’editore? 

Dovrebbe essere in piano, è così? 

Dato il numero potenzialmente elevato di oggetti visibili, c’è un oggetto che non dovrebbe essere presente in questa ripresa (esempio: un cartellone pubblicitario per un prodotto o un’attività commerciale inappropriati)?

10. INQUADRATURA CON 2 PERSONE: Contiene due soggetti che generalmente sono rivolti verso la fotocamera (ma non direttamente verso l’obiettivo) o sono rivolti l’uno verso l’altro e sono visti di profilo o di 3/4 di profilo.

 Per vedere i volti di entrambi i soggetti in un’inquadratura a due molto stretta, si dovrebbe “favorire” un corpo prima dell’altro, sovrapponendo letteralmente le persone all’interno dell’inquadratura. Viene privilegiata la persona più vicina alla macchina fotografica e vista interamente dall’osservatore. Non è necessaria alcuna sovrapposizione se si tratta di un profilo a due inquadrature, come nel caso di un bacio, di un ballo lento o di pugili prima di un incontro.

L’aggiunta di persone crea un’inquadratura a tre (3-shot), un’inquadratura di gruppo o un’inquadratura di folla, a seconda del numero di individui raggruppati nell’inquadratura. L’inquadratura sarà più ampia per le persone aggiunte alla composizione e i corpi dovranno essere sfalsati nella profondità dell’inquadratura. 

Principali preoccupazioni del montatore?  Poiché ora abbiamo due o più persone nell’inquadratura, diventa difficile far coincidere sempre la continuità dell’azione, la linea degli occhi, ecc. quando si passa ad altre inquadrature di copertura delle stesse persone in questa scena.

11. SOPRA LA SPALLA: Una speciale inquadratura a due in cui un soggetto è favorito, rivolto verso la fotocamera (inquadratura a sinistra o a destra) e l’altro soggetto è girato di spalle verso la fotocamera sul lato opposto dell’inquadratura. Il soggetto non favorito crea una forma a “L” sul bordo e sul fondo dell’inquadratura con la parte posteriore della testa e delle spalle, da cui il nome. La fotocamera scatta al di sopra della spalla di un soggetto per inquadrare il volto dell’altro soggetto in modo che lo spettatore possa vederlo.

Spesso è utile avere una profondità di campo ridotta, in modo che la parte del soggetto di spalla visibile nell’angolo dell’inquadratura sia un po’ sfocata, mentre il volto del soggetto favorito è ben a fuoco. Una parte posteriore della testa ben messa a fuoco potrebbe distrarre il pubblico. Se necessario, gli effetti opachi e di sfocatura del software di editing possono aiutare a risolvere questo problema. 

Principali preoccupazioni dell’editore?  Potrebbe essere necessario inserire l’audio di una buona ripresa ravvicinata per il soggetto che dà le spalle alla telecamera. Poiché la bocca non è visibile, la sincronizzazione esatta non è un problema, ma fate attenzione al movimento della testa e/o della mascella in combinazione con la traccia vocale alternata.

CATEGORIE DI INQUADRATURE

Le inquadrature descritte prima fanno parte della categoria INQUADRATURE SEMPLICI.

Queste si evolvono in altre due categorie:

– INQUADRATURE COMPLESSE

– INQUADRATURE IN SVILUPPO

4 COMPONENTI BASE PER DELL’INQUADRATURA

1. OBIETTIVO; Oltre agli spostamenti del piano critico di messa a fuoco, gli elementi in vetro dell’obiettivo si muovono durante la ripresa? L’obiettivo altera le sue caratteristiche di raccolta della luce durante la ripresa?

mentre si registra la ripresa? Il movimento dell’obiettivo, o l’alterazione ottica del 

dell’angolo di campo, si può ottenere solo quando si utilizza un obiettivo zoom (o un obiettivo varifocale) con una fotocamera ferma.

con una fotocamera fissa. È quindi necessario determinare se durante la ripresa si verifica una variazione di zoom o di io lunghezza focale durante la ripresa.

2. FOTOCAMERA; L’intero corpo macchina si muove durante l’inquadratura? In sostanza, si tratta di un’azione panoramica o di inclinazione mentre la telecamera registra l’inquadratura?

Il supporto della fotocamera (testa del treppiede) deve consentire questi cambiamenti di assi orizzontali e verticali, ma il supporto della telecamera (piedi del treppiede) o non sarebbe in movimento.

3. MONTATURA/SUPPORTO; Il montaggio o il supporto della telecamera sposta fisicamente la telecamera sul set o sul luogo durante una ripresa? In uno studio televisivo, la telecamera è montata su un piedistallo che può alzarsi (alzare l’altezza della telecamera) o abbassarsi (abbassare l’altezza della telecamera) e rotolare sul pavimento liscio. Su un set cinematografico, la telecamera può essere montata su un dolly mobile su binari o su un carrello scorrevole: Per (per spostamenti con granchi o camion), attaccata a una gru o a un braccio a bandiera, a un drone, sospesa a cavi o trasportata con un dispositivo cardanico di stabilizzazione del movimento o una Steadicam, ecc.
4. SOGGETTO; Il soggetto ripreso si muove durante la ripresa? Il soggetto può essere una persona o più persone, un animale, un oggetto animato (qualcosa di non vivente in grado di muoversi) o un oggetto inanimato (qualcosa che non si muove da solo, come un mattone o uno scrigno dei pirati).  

oggetto inanimato (qualcosa che di solito non si muove da solo).

3 CATEGORIE DI INQUADRATURE CHE CONTENGONO UNO O PIU’ DEI 4 ELEMENTI

Queste tre categorie di base sono inquadrature semplici, inquadrature complesse e inquadrature in sviluppo.

1. INQUADRATURE SEMPLICI;

– Nessun movimento dell’obiettivo ✗

– Nessun movimento della fotocamera ✗

– Nessun movimento della montatura ✗

– Semplice movimento del soggetto ✓

Non prevedono cambi di lunghezza focale (zoom). Non hanno panoramiche o inclinazioni. Non mostrano alcun movimento del corpo macchina, come nel caso di un dolly o di un gimbal stabilizzatore. Tuttavia, mostrano il soggetto che si muove in modo semplice sullo schermo, in piedi, seduto, gesticola, ecc. 

2. INQUADRATURE COMPLESSE;

– Movimento dell’obiettivo ✓

– Movimento della fotocamera ✓

– Nessun movimento della montatura ✗

– Movimento semplice del soggetto ✓

Una ripresa complessa può contenere:

– Una panoramica (orizzontale).

– Un’inclinazione (verticale).

– Una panoramica e un’inclinazione (movimento diagonale dell’obiettivo verso l’alto o verso il basso).

– Movimento dell’obiettivo (zoom o messa a fuoco).

– Movimento dell’obiettivo e panoramica (nascondere uno zoom facendo contemporaneamente una panoramica della fotocamera).

– Movimento dell’obiettivo e inclinazione (nascondere uno zoom inclinando contemporaneamente la fotocamera).

– Movimento del soggetto e panoramica per seguire l’azione.

– Movimento del soggetto e inclinazione per seguire l’azione.

Se uno scatto contiene una qualsiasi combinazione dei tre elementi attivi (movimento dell’obiettivo, movimento della fotocamera o semplice movimento del soggetto), allora può essere considerato uno scatto complesso.

Meglio che inizi con un’inquadratura iniziale statica, passi attraverso il suo movimento e si concluda con un’inquadratura finale statica. I fotogrammi statici iniziali e finali di queste inquadrature pan e tilt sono molto importanti per l’editor. Potrebbe essere difficile tagliare da un’inquadratura statica a un’inquadratura già in movimento, o tagliare da un’inquadratura in movimento a un’inquadratura statica. 

3. INQUADRATURE IN SVILUPPO;

– Movimento dell’obiettivo ✓ 

– Movimento della fotocamera ✓

– Movimento del supporto ✓

– Movimento del soggetto più complesso ✓

Contine il movimento di tutti e quattro gli elementi, per questo le riprese sono difficili da fare.

I soggetti possono muoversi in complicati schemi di blocco sul set, la macchina da presa viene spostata seguendo l’azione, l’obiettivo può essere rimesso a fuoco o magari zoomato ecc.

Molto probabilmente inizieranno e termineranno con fotogrammi statici, ma la parte centrale potrebbe essere un miscuglio di azioni. Osservate la corretta messa a fuoco, la buona inquadratura e i movimenti fluidi. 

RIFLESSIONI FINALI PARTE 2:

Quando i redattori si siedono sulle loro sedie per iniziare a lavorare su un progetto, di solito non sanno come sarà il materiale che hanno il compito di modificare.

Comprendere il linguaggio visivo dei tipi di ripresa di base ed essere in grado di classificare rapidamente gli stili di ripresa del regista o del direttore della fotografia farà girare le ruote creative nella mente del montatore.

CONSIGLI CAPITOLO 2:

– IN UN DIALOGO A 3 FARE ATTENZIONE A TAGLIARE DA UN’INQUADRATURA A 2 A UN’ALTRA INQUADRATURA A 2:

Perché è possibile che il personaggio centrale sembra saltare da un lato all’altro dello schermo. 

Un’inquadratura ripresa dalla posizione della telecamera 1 mostra il personaggio centrale (il personaggio B) sul lato destro dello schermo e il personaggio A su quello sinistro. Se ora si taglia su un’altra inquadratura a due dalla posizione della telecamera 2, questa inquadratura mostrerà il personaggio B sulla sinistra dello schermo. mostrerà il personaggio B sul lato sinistro dello schermo, con il personaggio C sul lato destro. Si tratta di un salto di inquadratura per il personaggio B e può interrompere il flusso visivo delle inquadrature, causare una trappola di continuità o confondere il pubblico.

SOLUZIONE: Se sono disponibili altre inquadrature di copertura, tagliate invece su un’unica inquadratura di una persona.

Per esempio, tagliate da un’inquadratura a due dei personaggi A e B a un primo piano medio del personaggio C. Oppure, al contrario, tagliate da un primo piano medio del personaggio A a un’inquadratura a due dei personaggi B e C.

Si può anche tagliare su un’inquadratura ampia dell’intero trio tra le due inquadrature, a condizione che ci sia un’adeguata continuità. 

– MONTAGGIO DI UN’INQUADRATURA AMPIA APPENA POSSIBILE DOPO UNA SERIE DI RIPRESE RAVVICINATE IN UNA SCENA DI GRUPPO:

Perché per il pubblico può dimenticare la posizione esatta dei soggetti nello spazio, per questo bisogna aggiungere un inquadratura più ampia. 

Fate attenzione a montare un’intera sequenza con soli primi piani, a meno che non sia necessario. necessità di farlo.

L’eccezione riguarda casi in cui il luogo o la scena sono ben noti al pubblico, come ad esempio il set principale di un programma televisivo popolare.

– TAGLIO SU UN’INQUADRATURA RAVVICINATA DI UN NUOVO SOGGETTO MENTRE ENTRA IN SCENA:

Serve per far capire al pubblico chi è quel soggetto.

Sostieni la comprensione della storia da parte del pubblico ricordando loro eventi e persone attraverso inquadrature più ravvicinate che forniscano i dettagli necessari.

ECCEZIONE: quando il soggetto è solo una comparsa, ha bisogno di un’introduzione ritardata per motivi comici o deve essere tenuto segreto per scopi narrativi.

– USA UN’INQUADRATURA DI BASE PER IMPOSTARE LA POSIZIONE DI UNA NUOVA SCENA:

Al pubblico non solo piace sapere cosa sta succedendo in una nuova scena, ma anche dove sta accadendo.

Quindi usa inquadrature ampie.

ECCEZIONE:  Si può optare, per motivi creativi, di non mostrare un’inquadratura iniziale ma piuttosto di tagliare direttamente la scena, magari in un’inquadratura ravvicinata di qualche elemento all’interno del set. 

Se la scena viene mostrata in inquadrature ravvicinate e sembra svolgersi in un luogo sconosciuto, l’inquadratura vera e propria potrebbe essere mostrata per ultima come una sorta di rivelazione e una sorpresa per il pubblico.

– USA PRIMI PIANI DEI SOGGETTI IN UNA SCENA PER OTTENERE IL MASSIMO EFFETTO EMOTIVO:

Perché con un’inquadratura ravvicinata si riesce a capire l’emozione che prova il soggetto.

Salva l’inquadratura ravvicinata del personaggio o dei personaggi per quando il pubblico trarrà il massimo beneficio dall’osservare i volti degli attori in modo così intimo. 

Questo effetto sarà annacquato se si passa alle inquadrature ravvicinate troppo presto nello sviluppo di una scena o, forse ancora peggio, se si lascia che l’energia si dissipi tagliando troppo spesso l’inquadratura ampia.

ECCEZIONE:  i documentari e le interviste ai soggetti saranno registrate per lo più in campi medi e ravvicinati. 

– QUANDO SI TAGLIA SU UN PRIMO PIANO DI UN’AZIONE SELEZIONARE UNA VERSIONE DEL PRIMO PIANO IN CUI L’AZIONE È PIÚ LENTA:

Se l’azione del primo piano avviene alla stessa velocità di quella dell’inquadratura più ampia, allora la velocità dell’azione, come si vede nel primo piano, sembra più veloce, perché l’inquadratura è più stretta.

Speri che il regista abbia fornito un primo piano aggiuntivo con un’azione leggermente più lenta oppure puoi rallentare la scena con il programma di editing, ma non esagerare perchè si nota l’effetto.

ECCEZIONE: questa pratica non si applica alle inquadrature ravvicinate di macchinari in movimento.

– COMPRENDERE LE DIFFERENZE VISIVE TRA UN DOLLY-IN E UNO ZOOM:

Nello zoom l’obiettivo ingrandisce otticamente tutti gli elementi visivi all’interno dell’inquadratura e non cambia la prospettiva. Questo tipo di movimento può risultare innaturale per gli occhi di uno spettatore

Per risolvere questo problema prova ad usare un’inquadratura dolly-in (a volte chiamata truck-in o push-in) che crea un movimento più naturale che avrà un cambio di prospettiva. La fotocamera si avvicina al soggetto

Esempi di tali scatti includono: 

• Un’inclinazione con uno zoom 
• Una panoramica con uno zoom 
• Un carrello a granchio con uno zoom 
• Un piedistallo o un’elevazione del braccio con uno zoom, ecc.

ECCEZIONE: Puoi utilizzare lo zoom quando è molto lento l’ingrandimento così gli spettatori non se ne accorgono.

Uno zoom nei notiziari televisivi o in altri programmi, copertura sportiva o uno zoom utilizzato in uno scatto senza alcuno sfondo distinguibile (ad esempio, una parete bianca) potrebbe passare inosservato.

– ATTENZIONE ALLE INQUADRATURE CHE SI ALLONTANANO SENZA MOTIVO:

Un dolly track-out (a volte chiamato truck-out, pull-out o dolly-out) può spesso iniziare una scena per mostrare più della location o può segnalare la fine di una sequenza o di una scena. Può precedere sia un dissolvenza che un taglio ad un’altra scena o anche un fade-to-black.

Se il soggetto non compie nessun movimento e non si avvicina alla telecamera, è meglio non iniziare un track-out, perchè lo spettatore pensa che si muova da sola.

Nel caso non ci siano movimenti o dove i movimenti non sono esistenti nell’inquadratura precedente, vedi se la scena funziona ugualmente senza quell’inquadratura, perchè le inquadrature dolly costano molti soldi.

ECCEZIONE: Se il movimento libero della camera è stato già stabilito come parte dello stile del film,puoi usarlo. Oppure quando il movimento precede un salto narrativo nel tempo, nella location, o nel ritmo, o se è l’ultima inquadratura della produzione.

– SELEZIONA LA VERSIONE MIGLIORE DI UN PANORAMICA O DI UN INQUADRATURA CRAB DOLLY

I movimenti di dolly e le panoramiche sono difficili da registrare, quindi si esaminano le riprese che hanno un movimento fluido, un corretta messa a fuoco. Un movimento sconnesso e la cattiva composizione non sono piacevoli da guardare.

Cerca le migliori inquadrature possibili quando monti il video.

ECCEZIONI: Le inquadrature d’azione veloci o riprese a mano libera in cui la camera traballa e aggiunge pericolo o realtà alla scena.

– INIZIA E TERMINA OGNI INQUADRATURA PANORAMICA (PAN), INCLINATA (TILT) O DOLLY SU UN FOTOGRAMMA STATICO:

Tagliare un inquadrature in movimento ad una statica o tagliare da un’inquadrature in movimento ad un altra in movimento, può causare un effetto di taglio netto nello spettatore.

Devi iniziare e terminare ogni inquadratura con un fotogramma statico, così crerai un montaggio invisibile e il pubblico non se ne accorgerà.

ECCEZIONE: Se monti scene d’azione puoi tagliare da inquadratura in movimento ad un altra in movimento per mantenere il ritmo.

Se la velocità della telecamera e del soggetto non corrispondono o non sono simili, può causare un interruzione visiva per un cambio di ritmo.

– EVITA DI TAGLIARE LE PANORAMICHE E LE INCLINAZIONI CHE INVERTONO LA DIREZIONE NEL PUNTO DI TAGLIO:

La direzione dello schermo e il flusso del movimento hanno una continuità propria. Quando il movimento di un oggetto motiva una panoramica o un’inclinazione della camera in Inquadratura A e poi l’Inquadratura B inverte quel movimento dell’oggetto, si verificherà uno “scontro” visivo nel punto di taglio. Le direzioni saranno improvvisamente cambiate e lo spettatore sarà confuso.

Se non hai una direzione continua nelle riprese tra l’Inquadratura A e l’Inquadratura B, allora puoi o non usare l’Inquadratura B o inserire un’altra inquadratura tra le due per distrarre gli spettatori e ri-orientare il loro senso di movimento. 

Puoi anche utilizzare un effetto di inversione per cambiare la direzione del movimento da sinistra a destra (se non compaiono testi o numeri sullo schermo durante l’inquadratura invertita).

ECCEZIONE: Si può usare per causare uno scontro visivo in una storia con temi contrastanti, film sperimentali, video musicali ecc..

ESERCIZI CAPITOLO 2

1. Guarda il tuo film preferito o video preferito e prendi nota di quante inquadrature diverse si verificano.

Quale inquadratura viene utilizzata di più?  In quali punti del video vengono usati? Vedi delle grandi differenze delle inquadrature tra i film e i video su internet?

2. Sviluppa una scena molto breve tra due persone che dialogano. Pianifica le riprese di copertura per tre versioni separate: una con riprese semplici, una con riprese complesse e una con riprese in via di sviluppo. Modifica il metraggio di ogni ripresa separatamente. Quali si abbinano meglio e perché? Dopo aver confrontato ogni sequenza separata, prendi tutte le riprese di tutte e tre le riprese e taglia una nuova sequenza combinata. Trovi più facile montare una sequenza con tutte e tre le categorie di inquadrature rappresentate? Sì o no, e perché?
3. Usando l’app di registrazione video del tuo cellulare, o un’altra videocamera accessibile, registra una serie di riprese che vanno da sinistra a destra e una serie di riprese che vanno da destra a sinistra; aumentando la velocità delle panoramiche con ogni versione. Monta queste riprese insieme in una sequenza, tagliando al fotogramma finale statico di un movimento da sinistra a destra e al fotogramma iniziale di un movimento da destra a sinistra. Come funziona la transizione di taglio tra le riprese panoramiche? Riesci a farlo “tagliare” bruscamente? Fai lo stesso con alcune nuove riprese “crab dolly” che registri. C’è un conflitto al taglio dove le due direzioni di movimento dello schermo si scontrano al punto di taglio? Se no, in quale tipo di lavoro video potresti vedere un tale trattamento visivo avere successo?

CAPITOLO 3 – CAPIRE IL MATERIALE AUDIO

SUONO COME ELEMENTO DEL MOTION MEDIA

Il modo in cui si utilizza l’audio durante l’editing di un video dipende dal tipo di produzione multimediale, dal genere, dal contenuto, dallo scopo, dalla qualità delle risorse audio, dal modo in cui verrà presentato al pubblico, ecc. Numerosi fattori portano un editor a prendere molte decisioni diverse per quanto riguarda le modifiche audio e dovrebbe essere prestata particolare attenzione alla costruzione e al mixaggio delle colonne sonore.

SUONI ACQUISITI DURANTE LA PRODUZIONE

Indipendentemente dal materiale multimediale prodotto, ci sono, in genere, elementi sonori che vengono registrati. il personale del reparto audio lavora per registrare l’audio più utilizzabile. Le seguenti categorie rappresentano i principali tipi di suoni raccolti durante la fase di produzione del film:

DIALOGO

I dialoghi comprendono ciò che l’attore dice e vengono registrati dai microfoni. Può anche riferirsi a qualsiasi suono vocale intelligibile prodotto da persone viste pronunciare quei suoni.

TONO DELLA STANZA / SUONI  NATURALI (NATS) / AMBIENTE

Questi tre termini si riferiscono a una registrazione che cattura il “suono” dell’ambiente in cui è stato registrato il video. Ogni luogo in cui si  registra le immagini e le risorse sonore ha il suo “paesaggio sonoro” unico che esiste in sottofondo.

Il dialogo avviene sopra questi suoni ambientali. 

In ambienti controllati quando viene registrata una scena di folla, la folla è in genere silenziosa in sottofondo e istruita a emettere suoni (spesso chiamati “walla”) solo quando gli viene chiesto di farlo dal team di produzione.

TONO DELLA STANZA: viene tradizionalmente fatto come una registrazione speciale dell’ambiente di ripresa immediatamente dopo che la scena o l’intervista è stata completata, ma prima che uno qualsiasi degli attori o della troupe lasci la location. Tutto viene lasciato com’era e il fonico fa la lista e registra almeno 60 secondi del “tono” della stanza mentre nessuno parla. 

AMBIENTE: si riferisce al paesaggio sonoro di un luogo attivo in cui si sta verificando la registrazione. Si includono dei suoni quotidiani disponibili generati in questi luoghi.

SUONO NATURALE (NATS): sono le clip audio dell’ambiente per uniformare i suoni di sottofondo delle tracce di dialogo registrate in quegli spazi, ma in momenti diversi durante riprese diverse. Se è necessario un ulteriore loop vocale degli attori (noto anche come ADR), queste tracce audio pulite e registrate in studio possono essere mixate con il tono originale della stanza o l’ambiente di sottofondo dei luoghi e modificate come se fossero state registrate sul set con le altre clip di dialogo esistenti e più pulite.

SUONI SELVAGGI

Un operatore del suono andrà in giro per il luogo in cui le scene, le interviste o i B-roll sono stati registrati visivamente e catturerà l’audio di cose specifiche. Può registrare il suono delle porte scorrevoli di un negozio, gli uccelli sugli alberi, ecc. Questi tipi di suoni si collocano tra gli effetti sonori ambientali. I suoni selvaggi sono spesso usati per espandere la “realtà”.

COLONNE SONORE (MUSICAL)

La musica è solitamente pensata come un elemento inserito nelle tracce audio durante la post-produzione. Se il film o l’evento della vita reale che si sta registrando ha una performance musicale reale come un concerto, allora anche questi elementi musicali fanno parte del video e dell’audio della produzione, a volte chiamati “musica sorgente”. Possono essere modificati direttamente nelle tracce audio della sequenza come suoni diegetici o come elemento nel letto audio del programma di saggistica.

SUONI ACQUISITI DURANTE LA POST-PRODUZIONE

Durante l’editing del pezzo multimediale, l’editor raccoglie file audio aggiuntivi che contribuiranno a migliorare l’esperienza sonora complessiva del pubblico. L’elenco seguente illustra molti dei tipi di suoni acquisiti o creati durante il processo di post-produzione. Servono ad aumentare (e talvolta sostituire) quegli elementi audio registrati durante la produzione.

NARRAZIONE / VOICE OVER

Spesso, i programmi di saggistica richiedono una traccia di sola voce. Sono tipicamente registrate in una cabina di registrazione o in un altro ambiente di studio silenzioso e controllato con ottimi microfoni. 

Il termine voice-over si riferisce a una voce fuori campo che non si vede nel video.

SOSTITUZIONE AUTOMATICA DEI DIALOGHI (ATS) / LOOPING

Ci sono momenti in cui le registrazioni dell’audio possono essere di scarsa qualità o inaccettabili. In questi casi, l’attore torna in studio e registra nuovamente il dialogo. Queste nuove clip audio vengono sincronizzate manualmente nella sequenza, prendendo il posto delle tracce di dialogo di produzione scartate. L’audio pulito della sostituzione automatica dei dialoghi (ADR) viene mixato sulle tracce di tono dell’ambiente o della stanza per far sì che il nuovo materiale corrisponda al paesaggio sonoro presente in tutta la scena complessiva.

AMBIENTE / TRACCE TONALI

Se il tuo progetto multimediale richiede i suoni di sottofondo, puoi trovarli su Internet. Spesso, le scene si svolgono all’interno o vicino a luoghi (nel mondo della storia), ma il team di produzione non si reca fisicamente in tali luoghi per condurre la registrazione vera e propria. 

EFFETTI SONORI (SFX) / EFFETTI SPOT

Un effetto sonoro viene aggiunto al mix sonoro per migliorare la “realtà” del suono che un oggetto filmato sta presumibilmente producendo. Spesso, i microfoni di un set sono posizionati per registrare le voci degli attori e non vengono captati molto bene dai microfoni i rumori esterni.

EFFETTI FOLEY

Gli interpreti speciali, riproducono con precisione i movimenti degli attori (con oggetti di scena e aggeggi sonori, ecc.) mentre guardano il film proiettato su uno schermo in uno speciale studio di registrazione del suono.

COLONNE SONORE (MUSICA)

Sono in genere brani musicali popolari di canzoni famose che vengono riprodotte nel mondo del film o dello spettacolo. Tali brani di colonne sonore musicali diegetiche possono apparire per un breve periodo nel film. 

ATTENZIONE: Usa musica non protetta da copyright o compra i diritti,

STINGS / STINGERS

Sono brani musicali molto brevi, che vengono inseriti nel mix per attirare l’attenzione su determinati momenti. Sono utilizzati principalmente nella programmazione televisiva e vengono riprodotte durante le transizioni da una scena all’altra.

PARTITURA

È una musica originale composta appositamente per il progetto multimediale che si sta modificando. 

TERMINI AUDIO

SYNC AUDIO

Sono sorgenti sonore sincrone: in genere registrate sul set durante la produzione, che possono essere attribuite a una sorgente nell’ambiente visibile sullo schermo. Di solito si riferisce alla sincronizzazione tra la traccia dell’immagine del film e la traccia audio. Se la sincronizzazione non c’è le labbra dell’attore si muovono, ma l’audio arriva in ritardo. 

Per sincronizzare l’audio e il video si usa il clapstick (ciak) di ardesia all’inizio di ogni ripresa.

Le produzioni a volte registrano i video senza alcuna registrazione audio aggiuntiva. Quindi l’assistente della fotocamera non chiude le bacchette ciak e le tre dita sono posizionate tra i bastoncini di ardesia (una specie di “M”) in modo che un montatore possa dire dall’inizio del video clip che non è stata registrata alcuna traccia audio corrispondente per quella scena e numero di ripresa. Il riferimento abbreviato per questo tipo di clip solo video è MOS. 

Una volta che l’editor dovrà montare il video, ci sarà un fotogramma di video che mostra il ciak completamente chiuso (che entra in contatto) e ci sarà un “fotogramma” di audio che ha il suono di quei bastoncini che si chiudono. L’editor abbina il fotogramma “clap” dell’immagine con il frame “clap” dell’audio e unisce le clip tra loro.